DUCCIO DA BUONINSEGNA È un predecessore di Giotto, ma si muove su una linea opposta e rappresenta il primo dei grandi pittori senesi più vicini alla condizione bizantina. MAESTA' Museo dell'Opera del Duomo - Siena (1308/1311) Fu commissionata dal comune di Siena, per essere collocata sull'altare del Duomo dedicato alla Madonna. La Vergine era infatti in quel periodo parte di un programma di glorificazione, di cui la Maestà è il fulcro. Ritroviamo in essa una condizione diversa da quella di Giotto: non si parla di volume. Ci dà una sensazione di tridimensionalità che in realtà non esiste. La composizione dei santi e dei patroni che la circondano è lineare e molto simile all'icona con una assenza di volume.Dipinta per essere collocata sull'altare, e quindi da entrambi i lati. Su quello anteriore: Maestà, su quello posteriore: storie cristologiche. Aristocratica e Ghibellina, Siena aveva riaffermato, nel 1311, con la Maestà di Duccio, la propria fede nel carattere aulico della cultura figurativa bizantina, attinta alle fonti più pure. Simone Martini, nato nel 1284. L'esercizio dell'arte non è per lui un modo per inserirsi nella realtà storica concorrendo a formarla, ma di sollevarla al di sopra della realtà per una sorta di vocazione o elezione spirituale. Per l'artista diventa normale trascendere l'opera con l'esaltazione al punto da tradurla all'infinito (il trascendente diventa immanente, il basso portato verso l'alto). L'aspetto decorativo porta Simone Martini ad essere un esponente di base del successivo gotico fiorito. Quando Simone Martini nel 13145 dipinge la Maestà riprende il tema duccesco e lo sviluppa in una ritmica gotica, quasi a dimostrare come la radice di quel linguaggio "moderno" fosse greca e non latina. Ripete il tema e lo schema compositivo del capolavoro di Duccio. Ma se in quest'ultimo ogni figura, ogni colore, ogni segno esprimeva la certezza di una perfezione raggiunta e ormai immutabile, nel dipinto di Simone tutto è fremito, aspirazione ad una perfezione ancora più alta ma irraggiungibile. Simone conosceva già l'arte francese. Non v'è dubbio quindi che cerchi di superarla in un linearismo ancora più ritmico, in un colore ancora più palpitante di luce. C'è dunque, più che coscienza, la nostalgia del passato; più che la ricerca, l'aspirazione inquieta al moderno, a una spiritualità fuori del tempo.Nella Maestà le figure, non più schierate in ranghi paralleli, si assiepano a semicercio intorno al trono, formando all'interno del gruppo allineamenti trasversali, incrociati, che portano con un'onda di moto saliente al vertice avuto del trono.Al centro della mobile ghirlanda la Madonna è quasi isolata, in un suo spazio protetto dalle fragili strutture del trono. I beati sembrano volere e non osare varcare questo sacro recinto. Il baldacchino, simile al padiglione della tribuna d'onore in un torneo, suggerisce il paragone della corte celeste alle corti mondane. La figura della Madonna non è piatta come in Duccio, né solida come in Giotto. Fluttua in una spazialità indefinita. In essa i colori non si distendono in zone smaltate come in Duccio né si costruiscono in masse pastiche come in Giotto: si succedono in ondate ritmiche, più pallidi o più intensi, e sono spesso variegati d'oro, affinché ne emani una luminosità vibrante. Anche Simone, come Duccio si esprime esclusivamente con la linea e il colore. Ma la sua linea sottile, flessibile tesa e modulata alla stesso tempo anima il colore, provoca tenui variazioni chiaroscurali, mutamenti di tinta. ANNUNCIAZIONE  (Firenze - Uffizi) Non c'è spazio per l'immaginazione che possa andare al di là di ciò che è rappresentato. Martini è legato ad una condizione cortigiana che è tale perché così ha voluto l'Onnipotente. L'icona è il mezzo di legame tra il potere temporale e quello ultraterreno. L'unico elemento che non emana luce è la Madonna: il suo manto brilla per un'altra luce.La Madonna è fisicamente terrena, ma mentalmente rivolta a Dio. La postura è di difficile percezione poiché non è tridimensionale. Il corpo della Madonna è curvato, non è degno. La Madonna chiude il libero tenendo il segno, come accade quando si è profondamente immersi nella lettura e si viene interrotti (in questo caso l'atteggiamento indica il suo legame al mondo terreno).In questo momento la Madonna è dentro casa e ciò è dimostrato dal mobile su cui si poggia. L'indicazione centrale dello Spirito Santo non ha un senso ecclesiastico, ma è l'esaltazione del fatto narrato, gettato al nostro tempo, sublimato, trasceso attraverso il colore oro che toglie ogni riferimento dimensionale. C'è un errore: l'angelo ha in mano un ramo d'ulivo, simbolo di Firenze, mentre nella Bibbia portava un giglio. PIETRO E AMBROGIO LORENZETTI Si trovano a conclusione del periodo senese.Sono personaggi che la critica ha recentemente rivalutato, ma che dalla descrizione del Vasari non appaiono come grandi artisti.La loro arte era, infatti, un po' imbastardita: arte senese + pratica giottesca. Come risultato danno l'arte di Pietro Lorenzetti, mentre Ambrogio è un pittore politico. della croce è interessante per il luogo (Assisi, Basilica inferiore) e per la datazione (dopo il 315, quando la rivoluzione giottesca è consolidata).Scmpare l'unita del contorno nel lungo esilissmo corpo del Cristo gttato come un ponte a collegare e a dinamizzare i due gruppi. Proprio qui, all'apice del pathos, la linea raggiunge il masseimo dell'eleganza gotica. La composizione è concepita come un incalzare e sommarsi di forze ascendenti, con un crescendo che culmina nella figura che sfiora l'asse orizzontale del braccio della croce. La croce è a "tau" e vi è una costruzione gotica. C'è un tentativo di conferire volume ai panneggi dei personaggi che depongono Cristo dalla croce: Nicodemo, per esempio, toglie i chiodi.GENTILE DA FABRIANO ADORAZIONE DEI MAGI (Firenze - Uffiizi) È una riaffermazione spettacolare della poetica "cortese" con tutti i suoi temi e motivi, un'opera fatta per affascinare e lusingare la colta e potente borghesia fiorentina. Gentile vuole dimostrare che la sua è una poetica aperta, capace di spiegare nell'infinta varietà dei suoi aspetti lo spettacolo del mondo.Mostra tutta la sua erudizione enciclopedica: sa la storia dei Magi nei particolare, conosce le caratteristiche fisionomiche e di costume dei lontani popoli d'Oriente, le forme della flora e della fauna esotica, le raffinate maniere dei principi e dei cavalieri,… Lo spazio del quadro ha più piani di profondità: la luce è pur sempre luce celeste e di emanazione divina, ma passando negli spessori dell'atmosfera si addensa, diventa un pulviscolo argenteo che aderisce alle cose come se fosse brina. C'è una grande attenzione per i particolare e poca invece rivolta al contenuto. Il corteo è costruito con una dimensione quasi prospettica e non c'è una concentrazione del fatto narrato. PALAZZO DUCALE Venezia La composizione architettonica è decisamente sbilanciata: i primi due ordini bilanciano il terzo che appare decisamente pesante.Si comprende in questa circostanza il passaggio tra simmetria (data dalle regole matematiche) ed euritmia (armonia). Nel secondo caso si parla sempre in termini matematici, ma vengono prese in maggiore considerazione tutte le componenti dell'opera. La parte inferiore (costituita da una teoria arcuata di colonne che raddoppiano nel secondo ordine e da medaglioni quadrilobi o quadrilobati tra un'ogiva e l'altra) e quella superiore hanno la stessa dimensione simmetrica, ma il primo ed il secondo ordine risultano decisamente più leggeri rispetto al terzo, che manca di euritmia. La parte superiore domina quella sottostante nonostante le varie modifiche apportate per alleggerirla: aperture quadrilobe, merletti di derivazione araba. La trama decorativa della parte sovrastante sembra un lavoro all'uncinetto, realizzato mediante lavorazioni geometriche coeve ai merletti (il bianco pesa).CA' D'ORO Ribalta il Palazzo Ducale in verticale. I pieni ed i vuoti sono accordati in senso verticale; la parte vuota è più ampia rispetto a quella piena e l'occhio ha una sensazione di gradevole equilibrio.DUOMO DI MILANO (gotico fiorito) Ha un'importazione a croce latina: la quinta navata presenta un deambulatorio che percorre il duomo in tutto il suo perimetro. La decorazione deriva dalla linea verso l'alto. Il tetto è a capanna, di derivazione lombarda.Il tiburio centrale è altissimo. Troviamo degli archi rampanti decorati a gattoni. BRUNELLESCHI: architetto DONATELLO: scultore MASACCIO: pittore. ALBERTI: architetto (colui che ha distinto l'arte dall'artigianato) Vasari ci descrive questo periodo di quasi 200 anni come una curva che vede una fase di progresso, u apogeo, rappresentato da Michelangelo, Raffaello (unico ad essere grande architetto, eccezionale scultore, grandissimo pittore) e Leonardo. Infine vi è una fase di decadenza che è il Manierismo. A questo periodo appartengono gli affreschi del Castello di Manta, di dubbia attribuzione: il Maestro d'Elva, cioè Hans Clemen e Gimono Jaquerio.  Il caratteri di transizione da un periodo all'altro sono sempre molteplici. Non c'è un distacco netto. In Italia vi è una dimensione figurativa estremamente diversificata (a causa della divisione politica del territorio). In questo periodo di transizione in Firenze coesistono questi elementi. Il Rinascimento rappresenta un momento alto, soprattutto nell'ambito fiorentino.Si confrontano qui artisti eccezionali, perché è un crogiolo di tensioni. Queste danno infatti origine a dibattiti e ciò avviene anche nell'arte, dal momento che le stesse prese di posizione diventano arte.Il Rinascimento è un periodo che vede la rinascita dei modelli antichi. Qui l'antico viene preso in modo acritico: l'antico è storia, insegnamento, esperienza e quindi diventa il messo attraverso il quale è possibile rappresentare la contemporaneità.L'elemento centrale è la prospettiva, non tanto perché fino a ora l'uomo non avesse provato la tridimensionalità, dal momento che è tridimensionalità quella di Giotto. Qui cambia la logica prospettica: c'è una prospettica lineare.Il Ghiberti elenca tutti gli elementi del racconto biblico: Isacco, Abramo, l'ara, la montagna, l'angelo, l'ariete, i servi, l'asino. Nicolò Cusano (filosofo del 1400) dice che "l'arte è un elemento molteplice. La disposizione armonica degli elementi è compito intellettuale". L'elemento di base è la conoscenza e questa implica a sua volta cultura. Partecipano a questo concorso Brunelleschi e Ghiberti. Il Ghiberti descrive lo spazio con il succedersi di piani e di episodi.Il Brunelleschi lo costruisce con la simultaneità dei moti, l'equilibrio dinamico del loro contrapporsi. Il Ghiberti è il più naturale. Cerca di proporzionare paesaggio e figure; studia le sfaldature della roccia e le fronde degli alberi, fa scorrere la luce lungo i piani e i risalti, incanala l'ombra nei solchi della forma.Il Ghiberti è lo studioso più antico. Evoca i costumi degli anitichi, inseriche ornati classici, ritrova il gusto pittorico dei rilievi ellenistici.Il Brunelleschi è il più rivoluzionario.

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